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Sobre el primitivismo

PRIMITIVISMO EN EL ARTE

1.      ¿Qué es?

En general, se considera primitivismo aquella influencia, tanto técnica como conceptual, consistente en un enfoque que pretende remarcar aspectos de culturas lejanas. Esta denominación tiene numerosas vertientes y se puede ampliar a fenómenos como el folclore, el arte infantil o las obras de marginados sociales

2.      ¿Dónde surge?

A fines del siglo XIX, se iniciará una corriente artística (cuyo final es muy difícil de matizar) que busca fuentes culturales diferentes a las clásicas. El primitivismo se expresa a través de la sensibilidad del artista y del lenguaje de la pintura.

También conocido con el término francés naif una marcada evolución sería contraria a su misma naturaleza.  El vocablo naif procede del latín nativus, y significa innato, natural.  Se utiliza para hacer referencia a lo ingenuo, lo inocente, lo no artificioso, cualidades que se malograrían con el dominio de los recursos plásticos y con la sofisticación en la concepción y ejecución de la pintura o la escultura.  (Eduardo Serreno)

El camino de la autenticidad artística se buscará en el arte africano o en las manifestaciones de culturas remotas y en el arte popular. Los agentes que sirven como punto de referencia son aquellos no traspasados por la historia del Occidente, los pueblos ágrafos no europeos, los niños y a menudo los locos. Porque ellos pintan, dibujan o esculpen atendiendo a una necesidad básica, lejos de consideraciones, discursos y retóricas históricas. Se busca, pues, la autenticidad y la sinceridad del mensaje artístico.

Los expertos hacen hincapié en la importante función que tuvo este fenómeno en las creaciones de numerosos artistas del siglo XX.

El primero de ellos fue Paul Gauguin, que más que mostrar unos rasgos estéticos en su obra representa una actitud, lo abandona todo por aquello en lo que cree, buscando una inspiración que resultaba frustrada una y otra vez y que finalmente encontró en Tahití. Pero sin duda alguna, la asimilación total de las características primitivistas se da en la figura de Pablo Picasso.

3.      Características

·         El arte naif carece de teoría y, por lo tanto, no puede aprenderse ni enseñarse.

·         La sinceridad es su valor definitorio y su principal característica

·         Aunque es evidente que el arte primitivista puede poner de presente una gran originalidad, ésta no obedece a una búsqueda consciente ni constituye la principal preocupación de los artistas.

·         El carácter primigenio e indivisible del mensaje artístico se convierte en la escala vinculante y en el ideal conductor de la modernidad.

4.      Artista que emplearon el primitivismo

Picasso y otros muchos se servirán de lo primitivo, de aquellas obras de arte nacidas de la espontaneidad como fin para el lenguaje artístico.

El arte primitivista se inició en Francia con la obra de Henri Rousseau (Laval, 1844 - París, 1910), conocido como "el Aduanero"

El primitivismo alcanzo a figuras como: Signac, Renoir, Redon, Toulouse Lautrec y Picasso, e intelectuales como Apollinaire, quien se convirtió en uno de sus más dedicados propagandistas. 

Posteriormente han aparecido pintores primitivistas en diversos países cuyas obras han causado gran impresión por su candor e imaginación, contándose entre los más famosos los pintores franceses llamados del Sacre Coeuri- -Bombois, Bauchant y Seraphine- los naives campesinos de la escuela de Hlebine en Croacia -Iván Generalie, Matija Skurjeni, Emerik Fejes, Janko Brasic- el leñador suizo Adolf Dietrich, el ebanista belga Aloys Sauter, el panadero holandés Comelis Houtman, el zapatero italiano Omeore Metelli, el trotamundos japonés Kiyoshi Yamashita, el pescador inglés Alfred Wallis, el agricultor alemán Max Raffler, el comerciante estadounidense Morris Hirshfield y su compatriota Anna Mary Robertson Moses (conocida como Grandma Moses), y buen número de pintores haitianos entre quienes figuran los practicantes del culto vudú Hector Hyppolite y André Pierre.  Los pintores Naif, sin embargo, son muy numerosos y sería interminable mencionar a todos aquellos que ameritan un reconocimiento por su personalidad o por las implicaciones y singularidad de sus obras. 

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FUENTES:

Bocola, Sandro. El arte de la modernidad. pp. 181. Ediciones del Serval. Barcelona 1999. .

http://www.todacultura.com/movimientosartisticos/primitivismo.htm

http://www.colarte.com/clasificacion/Textos/Primitivismo.htm

D´Corazón por el Arte: Difuso

D´Corazón por el Arte: Difuso: ORIGINAL

CUADRO COMPARATIVO DEL ARTE RENACENTISTA EN EUROPA Y PERÚ

EL ARTE EN EL RENACIMIENTO
El Renacimiento (s. XV) supone una recuperación de la antigüedad. En este sentido influyó decisivamente el humanismo, una corriente ideológica, filosófica y cultural; siendo una de sus principales características la valoración del arte clásico de la antigua Grecia y Roma.
	EN EUROPA	EN EL PERÚ
ASPECTOS GENERALES	·  Reencuentro deliberado del hombre con la antigüedad clásica. Los escritores y los artistas rechazaron la tradición medieval y prefirieron tomar como modelo las ideas y las obras del período clásico de Grecia (siglos V al II antes de Cristo) y Roma (que recoge la herencia griega). Volvieron a imponerse la ordenación lógica, el canon del arte griego, el cultivo del latín y del griego, etc. ·  Desprecio por las formas medievales. En el Renacimiento se dio al arte medieval el nombre de «gótico» porque en aquel tiempo lo consideraban propio de los godos o bárbaros.Consideración del hombre como centro de la reflexión y de las preocupaciones (humanismo), a diferencia de la Edad Media, que tuvo a Dios como eje de toda actividad intelectual (teocentrismo). El hombre del Renacimiento se llamó a sí mismo humanista, y consideraba que el arte, la literatura y la música debían reflejar también sus problemas, sentimientos y aspiraciones, abandonando el tema exclusivamente religioso. ·  Visión optimista del hombre y de la naturaleza. La recuperación de la filosofía platónica trajo como consecuencia la búsqueda de la armonía y de la proporción. La preocupación por el hombre tuvo como efecto un arte humanizado.	En el Perú se conoce como Arte Colonial al período comprendido entre los siglos XVI y XVIII, es decir luego de producirse la ocupación española hasta la etapa de la independencia. Los periodos históricos no tienen una fecha definida de inicio ni de fin pues este va evolucionando con el paso del tiempo. Durante la segunda mitad del siglo XVI e inicios del XVII, numerosos cronistas escribieron sobre la riqueza mineral y la producción alimenticia del Perú. Lima se convirtió en la capital de los virreynatos españoles, convirtiéndose en una ciudad cosmopolita de gran importancia. Lima y su Plaza Mayor, se convierte en el centro de las grandes ceremonias cortesanas y eclesiásticas (venida de virrey, nacimientos de príncipes en España, fiestas luctuosas, pomposas procesiones) en ellas participan los intelectuales y artistas más renombrados de la época. Durante este periodo sobresale la labor administrativa del Virrey Toledo. En el siglo XVI el renacimiento tardío continuaba inspirando a los artistas locales. Utilizaron para sus primeras obras madera, mármol, piedra, marfiles y metales, aunque muchas veces tuvieron que importar los materiales del reino español. En Lima surgieron varios talleres que satisfacieron la demanda de los encomenderos y también de las órdenes religiosas, porque se encontraban necesitadas de producción artística, ya sea para la decoración de sus nuevos templos e iglesias o para el adoctrinamiento de indígenas.
EN LA PINTURA	Es narrativa: expone historias y sucesos, reales o ficticios, sacados de la religión, de la mitología o de la historia. Es realista: las figuras humanas o de animales, y los objetos inanimados están reproducidos con el mayor cuidado porque se parezcan en todo a sus modelos reales. El cuadro se presenta como un escenario: un espacio cúbico, sugerido por medio de los recursos que enseña la perspectiva geométrica recién descubierta y dan la ilusión de profundidad. El punto de vista del pintor suele estar en el centro del cuadro. La composición está sometida a esquemas intelectuales, es decir, razonados. Suele preferirse la forma simétrica en la distribución de las figuras. En cuanto a los esquemas de composición preferidos, el triangular (con el vértice arriba o invertido) y el rectangular con la división del espacio en segmentos áureos. En algunos casos, los triángulos son dos combinados. En general, es una pintura dibujística, que se fundamenta en el poder definidor y expresivo de la línea, y considera el color como un accidente de la materia de importancia secundaria. Las formas se cierran con un dibujo de trazo continuo y su separación del fondo es absoluta. Se da interés preferente al cuerpo humano, en particular al desnudo, cuya anatomía se estudia y copia cuidadosamente.	La pintura Colonial tuvo tres grandes influencias: la española, la italiana y la flamenca. Traído desde España al Nuevo Mundo se forman talleres en las principales ciudades americanas, donde enseñan a criollos, indios y mestizos. La pintura que realizaron los indígenas fue un Arte religioso bajo la influencia de la catequización. En la etapa de evangelización los cuadros de la sagrada familia, de Cristo crucificado, de santos y mártires fueron utilizados como herramientas para la enseñanza de la fe católica. Así, durante la segunda parte del siglo XVI, la pintura al igual que otras manifestaciones artísticas fueron monopolizadas por la iglesia. Con el afán de una mejor evangelización encargaban muchos cuadros con temas específicos (alusivos a la sagrada familia, pasión de Cristo, etc.) a los más importantes talleres andaluces y sevillanos.
EN LA ESCULTURA	Se pierde la integración escultura-arquitectura que venía existiendo y desaparece en buena parte la función que antes tenía la escultura de decorar y completar los edificios. • Materiales; se utilizan piedra, madera, terracota, bronce,… logrando con ellos gran perfección técnica. • Hay un gran interés por las texturas de las superficies, con acabados muy pulidos y tersos y en ocasiones muy expresivo. • Se domina el volumen aunque existe un marco ilusorio de referencia y un punto de vista preferencial hasta el manierismo. El relieve tiene carácter pictórico y se ajusta a las leyes de la perspectiva lineal consiguiendo efectos de profundidad. • Los esquemas compositivos son simples y geométricos, basados en la clara articulación y equilibrio. El movimiento se aprecia en el contrapuesto y en la tensión del movimiento en potencia, hasta la llegada del manierismo que utilizará las posiciones inestables. • La expresión es figurativa, naturalista e idealizada, con interés por la belleza formal basada en las proporciones y en la armonía. Se domina la representación del cuerpo humano y proliferan los tratados sobre las proporciones. El plegado de los paños mantiene la elegancia formal del gótico pero en el XVI evoluciona hacia una simplicidad monumental.. Se acentúa el naturalismo, la búsqueda de la representación de la realidad, el interés por el hombre, por su anatomía, así como un perfeccionamiento de los conocimientos y medios técnicos. • Los temas son el hombre y la naturaleza con un contenido religioso o profano (histórico, alegórico-mitológico) y se multiplican los retratos de todo tipo.	·   Materiales: La escultura con bronce no tuvo gran demanda en América y se aplicó la técnica de cera pintada. La escultura con barro consistió en el modelado, cocido y policromado de piezas. Esta técnica funcionó muy bien debido a las tradiciones alfereras y alcanzó volúmenes de producción incalculables. Se dio gran fusión de técnicas prehispánicas con aportes europeos, en la escultura con madera fue común el uso de la pasta de madera (mezcla de aserrín, yeso y cola), que permitió modelar figuras y cubrirlas con paños y telas decoradas. La piedra, el mármol y el alabastro, se usaron para los relieves de fachadas, portadas y estatuas con diversos temas.
EN LA ARQUITECTURA	Elementos sustentantes: muros y columna. - El elemento sustentante por excelencia es el muro. La columna siempre soporta arcos de medio punto. El estilo de capitel más empleado es el corintio y junto al el aparecen el dórico, jónico y compuesto. • Elementos sustentados: - Se utilizan las bóvedas de arista o de cañón, aunque es la cúpula la solución más representativa ya sea para cubrir partes del edificio o el edificio entero. También se utilizan adinteladas tanto unas como otras suelen aparecer decoradas con casetones. • Materiales: - Se utilizan el ladrillo el mármol, y aparejos menudos. Los sillares en algunos casos son almohadillados. • Elementos decorativos: - Destacan áureas (en forma de corona u orla de hojas de laurel), guirnaldas, amorcillos, grutesco (motivo decorativo compuesto por seres fantásticos con formas humanas vegetales y animales complejamente enlazados), candelieri (inspirado en la forma de los candelabros) y balaustradas. También son importantes los elementos arquitectónicos del arte clásico como frontones, entablamentos, etc.	Fue la más abundante. Sus patrones estilísticos se adaptaron a las tradiciones, técnicas, materiales y climas de cada zona. Desde un primer momento, la tendencia fue copiar el boato de las residencias de los nobles peninsulares, por lo que se levantaron grandes casonas. Sin embargo, es importante destacar que no todos podían costear la construcción de una mansión, por lo que también se construyeron casas modestas. Algunos elementos que se repitieron fueron los zaguanes, patios interiores, portones amplios y las habitaciones diferenciadas para el uso de los dueños del inmueble y la servidumbre El uso de sistemas constructivos como la quincha, las ornamentaciones de iconografía andina y soluciones con formas inéditas confieren a la arquitectura virreinal peruana una identidad propia.

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